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Antes de comenzar el trabajo por zonas aplicando capas de ajuste de B&N, os voy a nombrar a algunos fotógrafos que me gustan.

Creo que son nombres a tener en cuenta si te gusta la fotografía en B&N y conocer sus trabajos no está de más. Está claro que hay muchos más pero no es cuestión de organizar una lista completa. Estos que muestro son algunos que conozco y que me gustaría compartir.

Cada artista tiene enlazado a su nombre la pagina de wikipedia para ver su bio y después a su página oficial para ver sus trabajos. 

++    Helmut Newton (31/10/1920 – 23/01/2004)

http://www.helmut-newton.com/

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++    Richard Avedon (15/05/1923 – 1/10/2004)

http://www.richardavedon.com/

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++    Ansel Adams (20/2/1902 – 11/4/1984)

http://www.anseladams.com/

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++    Henri Cartier-Bresson (22/08/1908 – 3/08/2004)

http://www.henricartierbresson.org/

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++    Irving Penn (16/06/1917 – 7/10/2009)

http://irvingpenn.org/

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++   Chema Madoz

http://www.chemamadoz.com/

Un maestro de la composición.

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++    Eugenio Recuenco

Para mi el mejor fotógrafo español del momento.

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++    Pablo Almansa

Un artista del desnudo.

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++    Alberto García Alix

http://www.albertogarciaalix.com/

Un retratista increíble.

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Y quiero hacer una mención especial a este fotógrafo que viene a continuación ya que su trabajo me fascina:

 Martin Stavars

Este fotógrafo polaco nacido en 1981 tiene un control del encuadre y del enfoque en sus fotografías increíble. A parte de que su técnica de revelado es brutal.

Es el editor de ND Magazine muy recomendable si te gusta este tipo de fotografías.

Le llevo siguiendo tiempo y me encanta su trabajo.  Y por eso quiero mostrarlo.

Y de momento aquí lo dejo. El siguiente post de trabajo por zonas lo tengo casi terminado ya que es bastante extenso. No me gustaría dejarme nada en el tintero así que paciencia ya que tengo el blog un poco abandonado y espero que los fotógrafos que he nombrado sean del gusto de todos 🙂

En este segundo capítulo vamos a comenzar explicando las formas de convertir una imagen en color a B&N.

Para organizarlas voy a englobarlas en 2 grupos. Y las llamaré destructivas y no destructivas.

Y pensaréis que quiero decir con esto pues explico. Las técnicas destructivas nos convierten las imágenes en B&N y nos hacen perder toda la información de color de la misma por lo que no se podrá recuperar esa imagen inicial y las no destructivas, pues todo lo contrario, tenemos siempre el control de la imagen y no perdemos información ninguna.

Así que ahora voy a comenzar con las técnicas destructivas:

–       La primera y más sencilla es configurar nuestra cámara de fotos en modo B&N y disparar con esa opción. Y directamente la imagen que nos resultará será de B&N y no podremos recuperar los colores de la imagen.

Pero con una salvedad, algunas cámaras cuando se configura esta opción la imagen que vemos en el visor es en blanco y negro pero cuando la volcamos en el ordenador vemos que no se ha perdido la información de color. Siempre y cuando disparemos en RAW, ya que si lo hacemos en JPEG ya quedará establecido el perfil de B&N en la imagen. Esto nos puede servir para ver como quedan las imágenes en B&N, más o menos, antes del procesado.

 A mi esto no me gusta ya que prefiero verlo después en el procesado y ver como queda pero es una opinión.

–       La segunda y creo que la más destructiva de todas es la conversión a escala de grises en photoshop (IMAGEN –> MODO –> ESCALA DE GRISES).

Este cambio de modo de la imagen lo que hace es descartar toda la información de color de la imagen y como su propio nombre indica convertirla a escala de grises. Lo desaconsejo totalmente porque no hay vuelta atrás.

escala de grises

Yo no utilizo ninguna de estas dos formas ya que en mi opinión no son productivas. En el caso de la primera me cierro la puerta a que cuando las vea en el ordenador me guste más en color y en el caso de la segunda para que voy a perder información sin necesidad.

Ahora voy a comentar las técnicas no destructivas que me resultan más sencillas y eficaces según mi punto de vista.

En este grupo debo explicar que se puede llevar acabo mediante filtros y ajustes intrínsecos en Photoshop y mediante aplicaciones externas al propio programa que se integran totalmente en el mismo.

Cabe decir que cada filtro, ajuste o aplicación externa se pueden combinar unos con otros y todos son compatibles, y lo bueno de todo esto que siempre mantenemos la información del color, así que si lo que hagamos no nos gusta lo podemos deshacer.

1.- Conversión de la imagen por ajuste de desaturar

En el menú vamos a IMAGEN –> AJUSTE –> DESATURAR

Y ya tenemos la imagen en B&N.

No permite ninguna modificación. Para mi gusto si la imagen no está muy contrastada queda muy plana.

No explico nada más porque no tiene mayor complicación.

2.- MAPA DE DEGRADADO

En el menú vamos a IMAGEN –> AJUSTE –> MAPA DE DEGRADADO

Este método es muy fácil pero hay que configurarlo correctamente.

En la siguiente imagen se ve como se consigue.

MAPA DEGRADADO 1

Pinchamos en invertir para que el degradado sea el correcto.

MAPA DE DEGRADADO 2

Posteriormente pinchamos en la barra de degradado.

MAPA DEGRADADO 3

La barra de abajo nos permite configurar los valores de negros y blancos.

Yo normalmente no toco los valores porque se ajustan a lo que quiero.

Este método lo uso en combinación con otros. Pero eso más adelante.

3.- CAPA DE AJUSTES EN BLANCO & NEGRO

Para mi el que más permite de manipulación.

Se encuentra en CAPA –> NUEVA CAPA DE AJUSTE –> BLANCO Y NEGRO o más sencillo, en el GRUPO DE AJUSTES en la Barra de la derecha, se picha en Blanco y Negro y aparece la capa de ajuste.

CAPA AJUSTE BN

Al ser una capa de ajuste tenemos la particularidad que podemos trabajar sobre la imagen de manera no destructiva y modificar los valores de ROJO, AMARILLOS, VERDE, CIAN, AZUL Y MAGENTA para que se ajuste a lo que nosotros queramos.

Pero lo verdaderamente interesante de esto es que podemos trabajar por zonas dado que esta capa de ajuste viene anexada a una máscara de capa. Esto quiere decir que podremos ir ocultando a nuestro gusto las zonas en las que no queramos que actúe este ajuste de blanco y negro. Por lo que podemos ir agregando varias capas de ajuste de B&N dependiendo que parte de la imagen queramos modificar y enmascarar lo que queramos, pero esto tendrá un capítulo más adelante donde explicaré el trabajo por zonas.

Todas estas formas de conseguir la conversión de B&N se pueden combinar para poder utilizar lo mejor de cada una y de ésta combinación sale el estilo particular de cada uno.

4.- PLUGINS EXTERNOS A PHOTOSHOP

A pesar de todo esto hay plugins externos a photoshop que ayudan a rizar el rizo todavía más.

Los que yo utilizo son Exposure 4 de Alien Skin y Color Efex Pro y Silver Efex Pro de Nik Software. Os dejo los links de las páginas dónde podéis descargar la versión de prueba y así poder ver lo que pueden hacer:

Exposure 4

Color Efex Pro 

Silver Efex

Yo los utilizo de manera conjunta dependiendo de lo que quiera conseguir. Para mi cada uno complementa al otro ya que el resultado final que consigo combinándolos me parece mejor que usando uno sólo y darle a un clic y ya está. Pero esto como siempre es una opinión.

Cada programa tiene una serie de opciones configurables para sus diferentes posibilidades y son bastante intuitivos.

No voy a explicarlos porque la multitud de posibilidades que hay de configuraciones posibles son enormes y si os interesan lo mejor es que los empecéis a usar y veáis todo su potencial.

Hay otros métodos, pero a mi me parecen más complicados y creo que estos son muy útiles y sencillos de ir perfeccionando. Cada uno utilizará el suyo o el que mejor le convenga dentro de su flujo de trabajo.

Pero por si os habéis quedado con ganas de más métodos os dejo unos links de tutoriales de otros métodos de conversión de una imagen en color a B&N sacados de la página de dZoom

Blanco y Negro en Photoshop: Color Lab

Blanco y Negro en Photoshop: Método Rob Carr

Seguro que si buscáis hay muchos más pero esto es lo que conozco.

La teoría está muy bien pero lo verdaderamente importante es conocerlos para poder usar el que más os guste y mejor resultados os de. De esta forma crear un flujo de trabajo y saber como tratar una imagen cuando la quieras convertir en B&N.

En los siguientes post mostraré como trabajar por zonas con las capas de B&N, nombraré algunos fotógrafos, conocidos y no tanto, a los que sigo porque me gusta su trabajo y poco a poco ir avanzando juntos en el mundo del B&N.

Me he planteado un proyecto personal que consiste en confeccionar un tutorial sobre imágenes en Blanco y Negro.

En este tutorial voy a intentar explicar desde mi punto de vista la fotografía en Blanco & Negro y además comentar algunas técnicas para su realización.

Espero conseguir explicar esas técnicas de procesado de una manera clara, para que posteriormente si os gustan, podáis utilizarlas, ya que en el procesado digital hay muchísimas formas de llegar al mismo sitio, y como me han enseñado, todas son válidas.

     También nombraré a varios fotógrafos famosos y no famosos, y os mostraré sus galerías para que veáis que el Blanco & Negro es una fotografía increíble y que tiene una fuerza que a veces supera con creces a la fotografía en color, por fuerza y dinamismo.

    Por otro lado quiero dejar constar, que yo no soy fotógrafo profesional y seguro que cometeré errores por lo que admito cualquier crítica a este post que comienza con este prólogo, para que cuando lo termine pueda ser un pequeño manual que ayude a “captar adeptos” y la gente conozca un poco más la fotografía en Blanco y Negro de una manera menos profesional.

    A lo largo de este post y los sucesivos dentro de este tutorial utilizaré imágenes mías, cedidas por amigos fotógrafos y otras sacadas de la galería de google para poder ilustrar lo que digo con imágenes.

Los fotógrafos

Así que sin más preámbulos voy a comenzar con los primeros pasos para realizar fotografías en Blanco y Negro.

A partir de ahora el Blanco y Negro lo llamaremos B&N por acortar un poco… ☺

– Decir que no todas las fotos que realicemos valen para B&N ya que si no tenemos suficiente gama tonal seguramente no vamos a tener cambios de contraste apreciables posteriormente y va a parecer una imagen totalmente plana sin contraste ninguno entre zonas.

– Como norma general debemos disparar en RAW, ya que en JPEG no se guarda toda la información de la captura. Esto ya está más que explicado en cualquier tutorial que busquéis en internet sobre fotografía de iniciación y retoque.

– Si en la fotografía en color es importante el encuadre, en B&N lo es aún más, dado que se llega a convertir en un pilar fundamental en el que la imagen en B&N obtiene la fuerza de la composición de la toma y del contraste de las diferentes zonas de la captura.

Así que hay que cambiar la mentalidad si lo que buscamos es realizar fotografías con el fin de convertirlas después en B&N.

– Respecto a la luz, debemos controlarla al máximo, ya que demasiados tonos medios pueden hacer que la imagen quede totalmente plana, sin contraste. Así que cuanta más diferencia haya (dentro de un orden) entre medios tonos, claros y sombras mejor será la imagen final. Debemos jugar con la sobreexposición y subexposición de la toma para conseguir imágenes más contrastadas, dependiendo el caso.

Antiguamente se sobreexponía o se subexponía en el laboratorio para lograrlo, ahora con las cámaras digitales podemos hacerlo en el momento de la toma y luego posteriormente con el procesado digital.

En Photoshop lo conseguimos seleccionando la herramienta de Subexposición o sobreexposición (tecleando la letra O accedemos a ella). A grandes rasgos la Sobreexposición la aplicaremos sobre las zonas que queramos iluminar configurando el rango en medios tonos y la de Subexposición sobre zonas que queramos oscurecer y configurando un rango de medios tonos o sombras. Todas ellas con un pincel con una dureza suave.

Todos estos conceptos se irán explicando según vaya avanzando el tutorial. Así que poco a poco iré publicando los siguientes capítulos.

(TO BE CONTINUED) 🙂

Super Luna, dia 5 Mayo…

Publicado: 04/05/2012 en Tutoriales
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        Me lo han chivado hoy porque no lo sabía, pero mañana hay Super Luna. Y que es eso pues ahora lo explico.

       La Luna más grande del año la tendremos este sábado 5 de Mayo gracias al fenómeno conocido como perigeo, es decir la máxima aproximación que tendrá la Luna con la Tierra, unos 50.000 kilómetros más cerca de nuestro planeta que la normal. Los científicos señalan que la Luna, en el perigeo, parece un 14 % más grande y un 30% más brillante que en el apogeo.

       Así que si tenéis oportunidad estaría muy bien que os alejarais un poco de la ciudad y salierais mañana a fotografiar la Luna si el tiempo lo permite claro está. Lo de alejaros es porque así conseguimos que no haya demasiada contaminación lumínica.

Por lo que os voy a dejar algunos consejos a tener en cuenta para fotografiar la Luna:

Lo primero y fundamental, a la vez que obvio, es que el cielo no este nublado… 🙂

Bueno ya en serio…

–    Lo primero es disparar con trípode para evitar vibraciones, si se puede lo más estable posible ya que si podemos utilizaremos un teleobjetivo largo

–    Utilizar disparador remoto ya sea por cable o inalámbrico

             

–    Desactivar el estabilizador del objetivo dado que tenemos la cámara en el trípode y podría causar vibraciones el propio estabilizador

–    Si se puede, usar un objetivo lo más largo posible (70-300 por ejemplo)

      

Ahora vamos a ver como debemos configurar la cámara.

–     La Luna está iluminada por el Sol, así que recibe bastante luz, aunque como ocupará una parte pequeña del visor, si usas la medición automática de tu cámara esta se equivocará, así que usa el modo manual

–     Utilizar medición puntual para evitar que la foto salga quemada

–    Velocidad de 1/500 de segundo con una apertura de f/8 a ISO 100 como valor de partida. Aunque se pueden probar equivalencias para ir viendo los resultados

Y si conseguimos encuadrar la Luna junto con algún elemento del paisaje, conseguiremos que nuestra toma sea distinta de las demás y no la típica de la luna redonda.

Aunque la la redonda siempre tiene su encanto…

Imágenes sacadas de la galería de google

Y poco más contaros. No desaprovechéis la oportunidad y si el tiempo lo permite acudid a fotografiar a la luna, yo por desgracia no puedo ir así que me quedo con las ganas.

Feliz fin de semana a tod@s

       Cuando realizas fotografía callejera y vas caminando por una ciudad determinada lo normal es que haya gente por la calle a no ser que sea una callejuela perdida.

Pero seguro que si la quieres fotografiar aparece alguien.

La ley de Murphy afecta a todo el mundo.   🙂

“Estas en mitad de una calle de Manhattan y aparece la furgoneta del Equipo A y sacas tu cámara y vas a hacer la foto y se te meten en medio. Y no dispones de más tiempo para realizar otra toma…”  ¡Que lástima!

       Si es un lugar poco transitado, podemos esperar a que desaparezcan pero como sea un lugar de interés va a ser imposible encontrar el momento en el cual no haya nadie y así poder realizar la fotografía.

      Aunque hay veces que por el contrario puedes aprovechar la tesitura y en vez de ser un estorbo se convierten en el motivo principal y consigues reencuadrar y sacar una foto interesante.

Pero no siempre es posible conseguirlo…

      Así que para esos momentos he encontrado este artículo de Xatakafoto en el cual explica de una forma muy sencilla como conseguir limpiar de la foto los transeuntes que nos podamos encontrar y que no dicen nada en la foto.

Por lo que paso a dar una breve explicación de como se realiza:

   – Lo único que hay que hacer es realizar varias tomas con espacios de tiempo distintos para pasar posteriormente por un procesado en photoshop agrupando las capas mediante Edición > Alinear capas automáticamente.

   – Luego convertirlas a objeto inteligente.

   – Hacer que nuestro objeto inteligente calcule el valor medio de cada pixel.

   – Esto lo realizamos  en el menú Capa > Objetos inteligentes > Modo de apilamiento y seleccionamos el modo Mediana.

      Creo que es una forma sencilla de hacerlo y que da buenos resultados así que ahora a probarlo a ver que tal sale.

    Os dejo el link del artículo en el que lo explica perfectamente paso por paso y con ejemplos gráficos.

Fotografía de viajes

Publicado: 29/03/2012 en Tutoriales
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La fotografía de viajes suele ser de los tipos de fotografía que más gustan. No sólo porque  suele  desarrollarse  cuando  estamos de vacaciones (tanto de invierno como de verano…) o estamos  realizando  una  escapada  fugaz a algún  rincón que  nos apetezca conocer sino porque todo el mundo por norma general toma fotografías en ese momento y quiere captar esos momentos en los que se está disfrutando.

Todo esto comentado en un rol meramente de ocio y sin meterme en el campo profesional, dado que lo enfoco bajo mi punto de vista.

En ésta entrada voy a intentar recoger algunos consejos, tutoriales, formas de ver este tipo de fotografía que espero puedan ayudar pero como todo esto son opiniones…

Algunas estarán sacada de páginas y blogs que consulto y otras de mis experiencias.

– Lo que se intenta siempre es conseguir fotos únicas que se salgan de las típicas  pero eso es difícil  porque  de una  misma cosa  se han realizado diferentes capturas así que  lo que debemos  intentar es darle nuestro  punto de vista. Las fotos postales están muy  bien  pero  hay que  intentar darle otra vuelta de tuerca, a no  ser  claro está que lo que queremos fotografiar sea algo convencional porque nos guste ese encuadre.

– Es muy importante que nuestra fotografía cuente algo y para eso debemos pensar el encuadre siempre que sea posible y montar mentalmente lo que queremos contar, hay veces que se consigue y otras no.  Al igual que hay veces que no es posible porque el motivo fotografiado no de más de si.

– Pero si estás de viaje y vas  acompañado  es  muy importante  que  fusiones  tus sensaciones personales en esas fotografías par a que ese  recuerdo  que  tendrás  cuando las vuelvas a ver estén asociadas  experiencia personal y social.

– Busca  detalles  que  se salgan  de  lo  normal y que  aunque  aparentemente no  tienen importancia logran explicar las costumbres de un lugar o como es su gente. En relación a esto hay un artículo de dZoom que es muy interesante que dejo el link para que le echéis un ojo

– Es  importante  mirar  para  todas las direcciones que no sabes donde puedes encontrar algo interesante. Se pueden imágenes muy buenas tanto mirando al cielo como al suelo, el caso es encontrarse en el momento adecuado.

– No cabe decir que hay que revisar siempre el equipo y la configuración de la cámara para  que  esté   todo correcto.  Al principio puede ser una lata pero luego sale sólo.

– No te cargues  con lo que no necesites, me explico, planifica  más o menos  lo que vas a hacer para que no te tengas que llevar todo el equipo. Si vas a realizar fotografía nocturna deberás  de llevar el trípode  pero si no lo vas a necesitar no lo cargues porque puede ser una lata tener que cargar con él todo el día.

 

Y lo que creo que es muy importante  y que me parece que es  obvio es que hay que hacer muuuuuuuchas fotos y que seguro que con muchas te sorprendes aunque pienses que no han quedado bien, por eso es también muy importante no borrarlas hasta que no las visualices.

 

Así que de momento acabo con este artículo que servirá de introducción de futuros relacionados con la fotografía de viajes.
Si sabéis algún truco o queréis compartir alguna vivencia que hayáis tenido me gustaría que la compartierais y así aprender de vuestras experiencias.

La máscara de enfoque en Photoshop

Publicado: 24/03/2012 en Tutoriales
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La máscara de enfoque es un filtro de photoshop muy utilizado y que para mi humilde opinión, uno de los primeros pasos que hay que realizar para empezar el procesado de una foto.

Ayuda a que la sensación visual de la foto parezca que tenga más foco o que es lo mismo, que esté más enfocada…

Os dejo un artículo de la página de dZoom que lo explica perfectamente y da unos fundamentos básicos de como utilizarlo.

He encontrado una tabla de niveles para la máscara de enfoque que pueden servir de referencia que detallo a continuación muy interesante, pero como siempre, son un punto de partida y luego cada cual los puede regular a su antojo y gusto.

Marca una serie de valores para unas determinadas situaciones

Para un enfoque suave unos parametros similares a estos irían bien:
Cantidad 150
Radio 1
Umbral 10

Para un enfoque de retratos irían bien estos:
Cantidad 75
Radio 1
Umbral 3

Para un enfoque modelado irían bien estos:
Cantidad 225
Radio 0,5
Umbral 0

Para enfocar al máximo:
Cantidad 65
Radio 4
Umbral 3

Enfoque para poner la foto en una web:
Cantidad 400
Radio 0,3
Umbral 0
Generalmente al pasar de una foto normal de 300ppp a la de 72ppp que da la web, se suele desenfocar un poco, si el efecto es demasiado intenso probad con una Cantidad que ronde los 200.

Ésta técnica super sencilla de realizar está sacada de un artículo de MIRRORMAGAZINE  que me parece que es muy útil e interesante si  lo que quieres es retocar una foto de manera que la mejores pero que no la alteres de una manera exagerada, aunque como en todo, es cuestión de gustos…

La primera parte del artículo es una corrección de la piel de una manera sutil que resulta muy eficaz y que los resultados son muy aceptables.

Y la segunda parte del artículo es un maquillaje de la propia modelo para conseguir al final que parezca que en efecto está maquillada pero creo que requiere algo más de técnica para que el resultado sea bueno.

Dejo el link del artículo para que veáis el tutorial

Espero que os resulte interesante…